La giapponese: il ritratto di Camille in kimono rosso di Monet

Una donna in rosso

La giapponese (La Japonaise) è un dipinto a olio che Claude Monet completò nel 1876. È uno dei quadri più grandi che abbia mai dedicato a una sola figura: la tela misura 231,8 per 142,3 centimetri, quindi la donna è rappresentata a figura intera e più o meno a grandezza naturale. Oggi il dipinto si trova al Museum of Fine Arts di Boston, negli Stati Uniti.

Un solo elemento domina l'immagine: una magnifica veste giapponese rossa. Una donna sta in piedi su una stuoia di paglia, leggermente di lato, e si volta sorridendo verso lo spettatore. Nella mano destra sollevata tiene un ventaglio pieghevole aperto. Il suo lungo kimono si allarga sul pavimento intorno ai piedi ed è coperto da un ricamo spesso e dai colori ricchissimi. Alle sue spalle la parete di un grigio azzurro chiaro è costellata di ventagli giapponesi rotondi, e altri ventagli sono sparsi a terra. L'effetto è luminoso, teatrale e pieno di motivi decorativi, quasi come una scenografia.

Camille in costume

La modella era Camille Doncieux, moglie di Monet e sua modella preferita nei primi anni della carriera. Dieci anni prima aveva posato per Camille, il ritratto con l'abito di seta a righe verdi che aveva dato al giovane pittore il primo successo al Salon di Parigi del 1866. Anche quel quadro era a figura intera e a grandezza naturale, perciò La giapponese può essere vista come una sorta di pendant, dipinto da un Monet più maturo, più sicuro di sé e già noto come uno degli impressionisti.

Nel 1876 la famiglia viveva ad Argenteuil, una cittadina sulla Senna vicino a Parigi, dove Monet dipinse molte scene soleggiate di barche, giardini e rive del fiume. L'anno prima aveva ritratto Camille e il figlio Jean su una collina ventosa in Donna con il parasole, una scena all'aperto leggera e dipinta in fretta. La giapponese è molto diversa: fu realizzata al chiuso, è messa in scena con cura ed è ricca di dettagli.

Un dettaglio curioso riguarda i capelli di Camille. In realtà erano scuri, ma nel dipinto porta una parrucca bionda. Gli storici dell'arte pensano che Monet volesse rendere del tutto chiaro che si tratta di una donna europea travestita da giapponese, non di una donna giapponese. Il quadro non è un ritratto del Giappone, ma un ritratto del fascino che il Giappone esercitava sui francesi.

Il kimono e i ventagli

La veste che indossa Camille è un uchikake, un kimono esterno lungo e pesante che si porta aperto sopra altri indumenti. In Giappone lo indossavano le donne di alto rango in occasioni speciali, come i matrimoni, e veniva usato anche come costume teatrale. L'orlo inferiore è imbottito, così da strisciare sul pavimento formando uno spesso rotolo, che Monet dipinse con grande cura.

La parte più sorprendente del kimono è la sua decorazione. Vicino all'orlo, proprio sotto la mano di Camille, è ricamata la figura di un guerriero samurai dal volto feroce, che sembra sguainare la spada. Poiché il ricamo è così spesso e dai colori così accesi, il guerriero sembra quasi balzare fuori dalla stoffa. Il suo volto feroce si trova non lontano da quello della stessa Camille, e i due volti creano un contrasto giocoso: la francese calma e sorridente e il guerriero furioso sul suo abito.

Anche i ventagli meritano uno sguardo più attento:

• I ventagli rotondi sulla parete e sul pavimento sono uchiwa, ventagli giapponesi piatti che non si chiudono. All'epoca erano souvenir economici e molto diffusi a Parigi.
• I ventagli sono decorati con fiori, paesaggi e figure, e uno di essi, vicino alla testa di Camille, mostra il volto di una donna giapponese che sembra lanciarle un'occhiata.
• Il ventaglio pieghevole che Camille tiene in mano è dipinto di blu, bianco e rosso, i colori della bandiera francese, il che ricorda ancora una volta che si tratta di una parigina che recita una parte.

La passione per l'arte giapponese

Per oltre duecento anni il Giappone era rimasto quasi chiuso al commercio estero. Negli anni Cinquanta dell'Ottocento, sotto la pressione degli Stati Uniti e delle potenze europee, cominciò ad aprire i suoi porti. Presto le merci giapponesi arrivarono in gran quantità in Europa: seta, porcellane, lacche, ventagli, paraventi e soprattutto stampe colorate su legno chiamate ukiyo-e, cioè «immagini del mondo fluttuante». La presenza del Giappone all'Esposizione universale di Parigi del 1867 rese l'arte giapponese ancora più di moda.

I francesi chiamarono questo entusiasmo giapponismo. I negozi di Parigi vendevano oggetti giapponesi, le persone facoltose ne decoravano le case e gli artisti studiavano le stampe di maestri come Katsushika Hokusai e Utagawa Hiroshige. Queste stampe mostravano la vita quotidiana, gli attori, i paesaggi e il tempo atmosferico in un modo che agli occhi europei appariva fresco e audace: contorni marcati, campiture piatte di colori vivaci, punti di vista insoliti e composizioni tagliate ai margini.

Molti pittori della cerchia di Monet ne trassero ispirazione, tra cui Édouard Manet, Edgar Degas e, più tardi, Vincent van Gogh. I quadri di donne eleganti in posa con il kimono o con oggetti giapponesi divennero negli anni Sessanta e Settanta dell'Ottocento una piccola moda a sé. Con La giapponese Monet creò uno degli esempi più audaci e più grandi di questa tendenza.

Monet e il Giappone

Per Monet l'amore per l'arte giapponese non fu un interesse passeggero. Nel corso della vita raccolse una collezione di oltre duecento stampe giapponesi, tra cui opere di Hokusai, Hiroshige e Utamaro. Una storia molto diffusa racconta che le scoprì vedendo delle stampe usate come carta da imballaggio in un negozio dei Paesi Bassi, ma questo racconto potrebbe benissimo essere una leggenda. Di certo le stampe ricoprirono in seguito le pareti della sua casa di Giverny, dove si possono vedere ancora oggi.

L'influenza del Giappone su Monet va molto più in profondità dei costumi e dei ventagli. Nelle opere tarde si vede nel modo in cui inquadrava le vedute, nelle serie dedicate allo stesso soggetto dipinto in diversi momenti del giorno e soprattutto nel suo celebre giardino di Giverny. Lì realizzò un giardino d'acqua con un ponte giapponese dipinto di verde, che si inarca sopra uno stagno pieno di ninfee, un soggetto che dipinse più e più volte per il resto della vita. È interessante notare che queste opere tarde assorbono lo spirito dell'arte giapponese in modo silenzioso e personale, mentre La giapponese mostra gli oggetti giapponesi in modo diretto, quasi come un'esposizione di tesori.

Il successo alla seconda mostra impressionista

Nel 1874 Monet e i suoi amici avevano organizzato la loro prima mostra indipendente, dove Impressione, levar del sole aveva spinto un critico a chiamare per scherno l'intero gruppo «impressionisti». Due anni dopo, nel 1876, tennero la loro seconda mostra nella galleria del mercante d'arte Paul Durand-Ruel a Parigi. Monet vi espose La giapponese, che attirò molta attenzione.

Le reazioni furono contrastanti: alcuni critici apprezzarono i colori brillanti e l'umorismo, mentre altri lo trovarono vistoso o sconcertante. Ma sotto un aspetto importante il quadro fu un vero successo: fu venduto per 2020 franchi, un prezzo alto per Monet all'epoca. Per un pittore che spesso faticava a pagare i conti, fu denaro più che benvenuto.

Lo stesso Monet, però, in seguito parlò del dipinto con una certa sufficienza. Da anziano lo descrisse come poco più di un capriccio, un'opera realizzata in parte per compiacere il pubblico e il mercato. Non si adattava all'immagine di pittore della luce e dell'aria aperta che voleva lasciare. Molti osservatori di oggi non sono d'accordo con lui e lo considerano uno dei suoi dipinti di figura più gioiosi e inventivi.

Da Parigi a Boston

Dopo la vendita, La giapponese passò per decenni da una collezione privata all'altra. Nel 1956 fu acquistata dal Museum of Fine Arts di Boston, che possiede una delle più grandi collezioni di dipinti di Monet fuori dalla Francia e anche una delle maggiori collezioni di arte giapponese al mondo. Boston è quindi la casa ideale per un quadro che unisce questi due mondi.

Nel 2015 il dipinto finì al centro di un dibattito pubblico. Era appena rientrato da un tour espositivo in Giappone, e il museo avviò un'iniziativa chiamata «Kimono Wednesdays» («mercoledì del kimono»), durante la quale i visitatori potevano indossare una replica del kimono e farsi fotografare davanti al quadro. Alcuni manifestanti sostennero che l'iniziativa trattava l'abbigliamento di un'altra cultura come un travestimento e ripeteva vecchi stereotipi europei sull'Asia. Altre persone, tra cui alcuni visitatori giapponesi e nippo-americani, non erano d'accordo e dissero che condividere il kimono era un modo amichevole di apprezzare la cultura giapponese. Il museo smise di far indossare il kimono ai visitatori, permise loro solo di toccarlo e organizzò incontri sulla storia del giapponismo. Il dibattito dimostrò che un quadro dipinto nel 1876 può ancora sollevare domande su come le culture si guardano e prendono in prestito l'una dall'altra.

Dettagli curiosi

• Il rosso del kimono, che riempie gran parte della tela, è costruito con molte sfumature sovrapposte, dall'arancione al cremisi intenso.
• A differenza della maggior parte dei quadri impressionisti, La giapponese è pianificata con cura e molto rifinita, il che dimostra che Monet sapeva dipingere in modo dettagliato e levigato quando voleva.
• La stuoia, i ventagli e la veste conferiscono al quadro un aspetto piatto e decorativo, simile ai motivi audaci delle stampe giapponesi, anche se la figura stessa è modellata con luci e ombre.
• Quando Monet lo dipinse, a Camille restavano pochi anni di vita. Morì nel 1879, e La giapponese rimane l'immagine più colorata e giocosa che egli le abbia dedicato.