L'Assunta de Titien : l'Assomption de la Vierge aux Frari de Venise
Un retable géant dans une église franciscaine
Quiconque entre dans la basilique Santa Maria Gloriosa dei Frari, à Venise, l'aperçoit depuis l'autre bout de la nef : un embrasement de rouge et d'or encadré par l'arc du jubé de marbre. C'est l'Assomption de la Vierge, généralement appelée simplement Assunta ou Assomption des Frari, peinte par Titien entre 1515 et 1518. Cette huile sur panneau de bois mesure environ 6,9 mètres sur 3,6, ce qui en fait le plus grand retable de la ville. Fait remarquable, elle se trouve toujours exactement à l'endroit pour lequel elle a été conçue, au-dessus du maître-autel de l'église.
L'église des Frari est l'une des deux grandes églises des ordres mendiants de Venise, bâtie par les frères franciscains aux XIVe et XVe siècles. Son nom officiel, Santa Maria Gloriosa, évoque Marie dans la gloire du ciel ; une peinture de son Assomption était donc le sujet le plus approprié qui soit pour le maître-autel. L'église est immense et l'autel se trouve très loin des fidèles réunis dans la nef. Toute image placée à cet endroit devait être lisible de très loin. Ce problème pratique explique une grande partie de ce qui rend l'œuvre si singulière : son échelle colossale, ses figures bien plus grandes que nature et ses contrastes de couleur et de lumière, forts et simples.
La commande et son contexte
Le retable fut commandé par fra Germano da Casale, prieur du couvent des Frari, et Titien commença probablement à y travailler vers 1516. Cette année marqua un tournant dans l'art vénitien. Giovanni Bellini, ancien maître de Titien et pendant des décennies le premier peintre de la République, mourut en 1516. Giorgione, l'artiste brillant avec lequel le jeune Titien avait étroitement collaboré, était mort de la peste quelques années plus tôt, en 1510. Titien, qui n'avait sans doute pas encore trente ans selon la plupart des estimations, eut soudain la possibilité de devenir le premier peintre de Venise, et la commande des Frari fut la scène sur laquelle il en fit la preuve.
Quelques années auparavant, il avait peint des œuvres d'un calme serein et poétique, comme L'Amour sacré et l'Amour profane vers 1514, où deux femmes sont paisiblement assises près d'une fontaine dans un doux paysage. L'Assunta montre à quelle vitesse ses ambitions grandirent. Au lieu d'une scène contemplative destinée à un collectionneur privé, il créa cette fois une immense image publique pleine de drame et de mouvement, faite pour être vue par chaque fidèle dans l'une des églises les plus fréquentées de la ville.
Le récit derrière l'image
L'Assomption est la croyance selon laquelle, au terme de sa vie terrestre, la Vierge Marie fut élevée au ciel avec son corps et son âme. Ce récit ne figure pas dans la Bible : il provient de traditions chrétiennes anciennes, largement admises au Moyen Âge. Sa fête est célébrée le 15 août. Dans l'Église catholique, cette croyance ne fut définie officiellement comme dogme que bien plus tard, en 1950, par le pape Pie XII, mais à l'époque de Titien elle comptait déjà parmi les sujets les plus populaires de l'art religieux. Dans la tradition orthodoxe orientale, le même événement est commémoré sous le nom de Dormition de la Mère de Dieu.
Selon le récit traditionnel, les apôtres se réunirent autour du tombeau de Marie et le trouvèrent vide, tandis qu'elle était emportée au ciel. Les peintres antérieurs en faisaient souvent une scène calme et symétrique, la Vierge assise ou debout, immobile, dans une mandorle de lumière. Titien en fit un instant d'émotion et de mouvement irrésistibles.
Trois zones, de la terre au ciel
La composition se divise en trois niveaux nettement séparés, superposés les uns aux autres.
- La zone terrestre. En bas, les apôtres se pressent, saisis d'étonnement. Certains lèvent les yeux et tendent les bras, d'autres se tournent les uns vers les autres ou se protègent les yeux. Ce sont des figures lourdes et musclées, en partie dans l'ombre, qui se détachent sur un ciel lumineux.
- La zone médiane. Marie s'élève sur un banc de nuages porté par une foule de petits anges, les putti. Vêtue d'une robe rouge et d'un manteau bleu, elle lève les bras et regarde vers le haut avec une expression émerveillée. Son corps pivote légèrement, ce qui donne une forte impression de mouvement ascendant.
- La zone céleste. Tout en haut apparaît Dieu le Père, représenté en raccourci, comme s'il se penchait d'en haut pour l'accueillir. Un ange à ses côtés tient une couronne destinée à la Vierge. Derrière eux rayonne un ciel doré peuplé de têtes d'anges à peine esquissées, qui semblent se fondre dans la lumière.
Ces trois niveaux ne sont pas simplement empilés. Gestes et regards les relient : les apôtres regardent Marie et tendent les mains vers elle, Marie lève les yeux vers Dieu, et Dieu la regarde. L'œil du spectateur suit le même chemin, de la terre aux nuages puis vers la lumière. Le haut du panneau est cintré, et l'arc de la gloire céleste reprend cette courbe, ce qui donne à tout le tableau un sentiment d'achèvement.
Couleur, lumière et technique
L'Assunta est un exemple majeur de ce que l'on appelle souvent le colorito vénitien : l'art de construire un tableau par la couleur et la lumière plutôt que principalement par le dessin et la ligne, que privilégiaient Florence et Rome. Titien employa une peinture à l'huile riche et lumineuse, posée en couches successives, pour donner à ses couleurs profondeur et éclat.
L'effet chromatique le plus célèbre est l'usage du rouge. La robe rouge de Marie, les manteaux rouges d'apôtres du groupe inférieur et le manteau rouge de Dieu le Père forment une sorte de triangle à travers le tableau, qui relie les trois zones et guide le regard vers le haut. Face à ces rouges intenses, Titien plaça le bleu profond du manteau de Marie et l'or chaud de la lumière céleste. Le fond clair derrière la Vierge fait ressortir nettement sa silhouette, même depuis le fond de l'église.
L'éclairage est tout aussi spectaculaire. Les apôtres, en bas, sont en partie dans l'ombre, tandis que la Vierge pénètre dans un rayonnement de plus en plus intense. Ce contraste entre l'obscurité terrestre et la clarté céleste est à la fois un procédé visuel et une affirmation de sens : Marie passe du monde humain au monde divin. Titien conçut aussi le tableau en fonction de son emplacement. Le retable est enserré dans un monumental encadrement de pierre conçu en même temps que lui, et depuis la nef on le voit à travers l'arc du jubé du XVe siècle, si bien que l'architecture de l'église encadre la peinture deux fois.
Le dévoilement et les premières réactions
Le retable achevé fut dévoilé en mai 1518 avec une grande solennité, un événement consigné par le chroniqueur vénitien Marino Sanudo dans son journal. Il devint rapidement célèbre. Son échelle, son énergie et sa couleur n'avaient pas de véritable précédent à Venise, et beaucoup de contemporains y virent une œuvre qui plaçait la peinture vénitienne au même niveau que les grandes réalisations de Michel-Ange et de Raphaël à Rome.
Toutes les réactions ne furent pourtant pas positives d'emblée. Des auteurs plus tardifs rapportèrent que les frères furent d'abord troublés par les figures énormes des apôtres, qui leur paraissaient trop grandes et trop hardies. Selon une histoire racontée au XVIIe siècle par le biographe Carlo Ridolfi, leurs doutes se dissipèrent lorsqu'un envoyé de l'empereur du Saint-Empire proposa d'acheter le tableau. De telles anecdotes sont difficiles à vérifier et ont peut-être été embellies au fil des récits, mais elles montrent combien l'œuvre parut nouvelle et surprenante à son époque.
Une longue vie sur le maître-autel
L'Assunta a passé presque toute son histoire aux Frari, mais non sans interruption. Après la chute de la République de Venise en 1797 et la réorganisation des biens ecclésiastiques à l'époque napoléonienne, de nombreuses peintures religieuses vénitiennes furent transférées dans des musées. En 1817, l'Assunta quitta l'église pour les Gallerie dell'Accademia, où elle fut exposée comme l'un des chefs-d'œuvre de la peinture vénitienne. Elle y resta environ un siècle et retrouva sa place d'origine sur le maître-autel en 1919, après la fin de la Première Guerre mondiale. Elle a depuis été nettoyée et restaurée, et les visiteurs peuvent aujourd'hui la voir de nouveau telle que Titien l'avait voulue, dans son propre encadrement et dans la lumière de l'église pour laquelle elle a été créée.
Les Frari sont étroitement liés à Titien à d'autres égards encore. Quelques années plus tard, il peignit pour la même église un second grand retable, la Vierge de la famille Pesaro (1519–1526), placée dans le bas-côté gauche. Titien lui-même est enterré aux Frari. Il mourut à Venise en 1576, pendant une épidémie de peste, et un grand monument du XIXe siècle marque aujourd'hui sa tombe, non loin du tableau qui l'avait rendu célèbre.
Importance et influence
L'Assunta est souvent présentée comme la première grande œuvre de la maturité de Titien et comme le tableau qui fit de lui le premier artiste de Venise, position qu'il conserva tout au long de sa longue vie. Elle marqua dans l'art vénitien le passage des retables calmes et équilibrés de la génération de Bellini à un style plus dynamique, plus émouvant et plus monumental.
La même énergie se retrouve dans les œuvres que Titien peignit les années suivantes. Presque au moment où le retable des Frari était dévoilé, il commença à travailler pour Alphonse Ier d'Este, duc de Ferrare, et son Bacchus et Ariane (1520–1523) partage avec l'Assunta les diagonales audacieuses, la couleur intense et le sentiment d'un instant dramatique unique. Dans l'art religieux, la figure de la Vierge qui pivote et s'élève, ainsi que les nuages tourbillonnants peuplés d'anges, devinrent le modèle d'innombrables Assomptions ultérieures. On voit souvent dans l'œuvre une anticipation du baroque, le style du XVIIe siècle, et des peintres baroques comme Pierre Paul Rubens étudièrent attentivement la manière dont Titien unissait mouvement, lumière et grandeur.
Détails moins connus
- L'Assunta est peinte sur bois et non sur toile. Plus tard, Titien travailla surtout sur toile, mieux adaptée au climat humide de Venise et plus facile à transporter.
- Comme le retable devait être vu de très loin, Titien fit délibérément des figures bien plus grandes que nature et simplifia la composition en quelques formes et couleurs puissantes.
- Les apôtres semblent se tenir dans l'espace même de l'église, le ciel s'ouvrant au-dessus d'eux, si bien que les fidèles tournés vers l'autel pouvaient avoir l'impression d'assister au miracle avec eux.
- Le tableau paraît éclairé à la fois d'en haut et de l'intérieur : la gloire dorée autour de Dieu et de la Vierge est la partie la plus lumineuse de l'image, tandis que la zone inférieure est nettement plus sombre.
- L'encadrement de pierre du retable et l'arc du jubé placé devant lui ont été conçus pour fonctionner ensemble, de sorte que la peinture fait partie d'une perspective soigneusement mise en scène sur toute la longueur de l'église.
Plus de cinq cents ans après son dévoilement, l'Assunta remplit toujours la fonction pour laquelle elle a été conçue : elle attire le regard de quiconque entre aux Frari vers le maître-autel, puis vers le haut, dans la lumière. Rares sont les chefs-d'œuvre de la Renaissance que l'on peut encore voir à l'endroit et dans le contexte mêmes pour lesquels ils ont été créés, et celui-ci reste l'un des plus saisissants de tous.
