La japonesa: el retrato de Camille con kimono rojo de Monet

Una mujer de rojo

La japonesa (La Japonaise) es una pintura al óleo que Claude Monet terminó en 1876. Es uno de los cuadros más grandes que pintó nunca de una sola figura: el lienzo mide 231,8 por 142,3 centímetros, de modo que la mujer aparece de cuerpo entero y aproximadamente a tamaño natural. Hoy cuelga en el Museo de Bellas Artes de Boston, en Estados Unidos.

Un solo elemento domina la imagen: una magnífica túnica japonesa roja. Una mujer está de pie sobre una estera de paja, ligeramente girada, y mira hacia el espectador con una sonrisa. En la mano derecha levantada sostiene un abanico plegable abierto. Su largo kimono se extiende por el suelo alrededor de sus pies y está cubierto de un bordado grueso y de ricos colores. Detrás de ella, la pared de un gris azulado pálido está salpicada de abanicos japoneses redondos, y hay más abanicos en el suelo. El efecto es luminoso, teatral y lleno de motivos, casi como un decorado.

Camille disfrazada

La modelo fue Camille Doncieux, esposa de Monet y su modelo favorita en los primeros años de su carrera. Diez años antes había posado para Camille, el retrato con un vestido de seda a rayas verdes que había dado al joven pintor su primer éxito en el Salón de París de 1866. Aquel cuadro también era de cuerpo entero y a tamaño natural, así que La japonesa puede verse como una especie de pareja suya, pintada cuando Monet era mayor, tenía más seguridad y ya era conocido como uno de los impresionistas.

En 1876 la familia vivía en Argenteuil, una pequeña ciudad a orillas del Sena cerca de París, donde Monet pintó muchas escenas soleadas de barcas, jardines y riberas. El año anterior había representado a Camille y a su hijo Jean en una colina ventosa en Mujer con sombrilla, una escena al aire libre ligera y pintada con rapidez. La japonesa es muy distinta: se hizo en interior, está cuidadosamente escenificada y llena de detalles.

Un detalle curioso es el pelo de Camille. En realidad tenía el cabello oscuro, pero en el cuadro lleva una peluca rubia. Los historiadores del arte creen que Monet quería dejar completamente claro que se trata de una mujer europea vestida a la japonesa, no de una mujer japonesa. El cuadro no es un retrato de Japón, sino un retrato de la fascinación francesa por Japón.

El kimono y los abanicos

La prenda que lleva Camille es un uchikake, un kimono exterior largo y pesado que se lleva abierto sobre otras prendas. En Japón lo vestían mujeres de alto rango en ocasiones especiales, como las bodas, y también se usaba como vestuario teatral. Su borde inferior está acolchado, de modo que se arrastra por el suelo formando un grueso rollo, que Monet pintó con gran cuidado.

Lo más sorprendente del kimono es su decoración. Cerca del borde inferior, justo debajo de la mano de Camille, hay bordada la figura de un guerrero samurái de rostro feroz que parece estar desenvainando su espada. Como el bordado es tan grueso y de colores tan vivos, el guerrero casi parece saltar fuera de la tela. Su rostro feroz no está lejos del de la propia Camille, y ambas caras crean un contraste divertido: la francesa tranquila y sonriente y el guerrero furioso de su vestido.

Los abanicos también merecen una mirada atenta:

• Los abanicos redondos de la pared y del suelo son uchiwa, abanicos japoneses planos que no se pliegan. En aquella época eran recuerdos baratos y muy populares en París.
• Los abanicos están decorados con flores, paisajes y figuras, y uno de ellos, cerca de la cabeza de Camille, muestra el rostro de una mujer japonesa que parece mirarla de reojo.
• El abanico plegable que Camille tiene en la mano está pintado de azul, blanco y rojo, los colores de la bandera francesa, lo que vuelve a recordarnos que es una parisina interpretando un papel.

La pasión por el arte japonés

Durante más de doscientos años Japón se había mantenido casi cerrado al comercio exterior. En la década de 1850, presionado por Estados Unidos y las potencias europeas, empezó a abrir sus puertos. Pronto los productos japoneses llegaron en abundancia a Europa: seda, porcelana, lacas, abanicos, biombos y, sobre todo, coloridos grabados en madera llamados ukiyo-e, que significa «imágenes del mundo flotante». La presencia de Japón en la Exposición Universal de París de 1867 puso el arte japonés todavía más de moda.

Los franceses llamaron a este entusiasmo japonismo. Las tiendas de París vendían objetos japoneses, la gente adinerada decoraba sus salones con ellos y los artistas estudiaban los grabados de maestros como Katsushika Hokusai y Utagawa Hiroshige. Estas estampas mostraban la vida cotidiana, actores, paisajes y el tiempo atmosférico de un modo que a los ojos europeos parecía fresco y atrevido: contornos marcados, zonas planas de color intenso, puntos de vista insólitos y composiciones cortadas en los bordes.

Muchos pintores del círculo de Monet se inspiraron en ellas, entre ellos Édouard Manet, Edgar Degas y, más tarde, Vincent van Gogh. Los cuadros de mujeres elegantes posando con kimono o con objetos japoneses se convirtieron en una pequeña moda propia en las décadas de 1860 y 1870. Con La japonesa, Monet creó uno de los ejemplos más audaces y grandes de esta tendencia.

Monet y Japón

Para Monet, el amor por el arte japonés no fue un interés pasajero. A lo largo de su vida reunió una colección de más de doscientos grabados japoneses, entre ellos obras de Hokusai, Hiroshige y Utamaro. Una historia popular cuenta que los descubrió al ver estampas usadas como papel de envolver en una tienda de los Países Bajos, aunque este relato bien puede ser una leyenda. Lo que es seguro es que más tarde los grabados cubrieron las paredes de su casa de Giverny, donde todavía pueden verse hoy.

La influencia de Japón en Monet va mucho más allá de los disfraces y los abanicos. En su obra tardía se nota en la forma de encuadrar sus vistas, en sus series de un mismo motivo pintado a distintas horas del día y, sobre todo, en su famoso jardín de Giverny. Allí creó un jardín acuático con un puente japonés pintado de verde que se arquea sobre un estanque lleno de nenúfares, un motivo que pintó una y otra vez durante el resto de su vida. Curiosamente, esas obras tardías absorben el espíritu del arte japonés de una manera discreta y personal, mientras que La japonesa muestra los objetos japoneses de forma directa, casi como una exhibición de tesoros.

Éxito en la segunda exposición impresionista

En 1874 Monet y sus amigos habían organizado su primera exposición independiente, donde Impresión, sol naciente llevó a un crítico a llamar a todo el grupo, en tono burlón, «impresionistas». Dos años después, en 1876, celebraron su segunda exposición en la galería del marchante Paul Durand-Ruel en París. Monet presentó allí La japonesa, que atrajo mucha atención.

Las reacciones fueron diversas: a algunos críticos les gustaron su color brillante y su humor, mientras que otros lo encontraron ostentoso o desconcertante. Pero en un aspecto importante el cuadro fue un verdadero éxito: se vendió por 2020 francos, un precio alto para Monet en aquel momento. Para un pintor que a menudo tenía dificultades para pagar sus facturas, fue un dinero muy bienvenido.

Sin embargo, el propio Monet habló más tarde del cuadro con cierto desdén. En su vejez lo describió como poco más que un capricho, una obra que había hecho en parte para agradar al público y al mercado. No encajaba con la imagen de pintor de la luz y del aire libre que quería dejar. Muchos espectadores actuales no están de acuerdo con él y lo consideran una de sus pinturas de figura más alegres e ingeniosas.

De París a Boston

Tras su venta, La japonesa pasó durante décadas por colecciones privadas. En 1956 lo adquirió el Museo de Bellas Artes de Boston, que posee una de las mayores colecciones de cuadros de Monet fuera de Francia y también una de las grandes colecciones de arte japonés del mundo. Esto convierte a Boston en un hogar muy adecuado para una pintura que une ambos mundos.

En 2015 el cuadro se convirtió en el centro de un debate público. Acababa de regresar de una gira de exposiciones por Japón, y el museo puso en marcha una actividad llamada «Kimono Wednesdays» («miércoles de kimono»), en la que los visitantes podían probarse una réplica del kimono y fotografiarse delante del cuadro. Algunos manifestantes argumentaron que la actividad trataba la vestimenta de otra cultura como un disfraz y repetía viejos estereotipos europeos sobre Asia. Otras personas, entre ellas algunos visitantes japoneses y estadounidenses de origen japonés, no estuvieron de acuerdo y dijeron que compartir el kimono era una forma amable de apreciar la cultura japonesa. El museo dejó de permitir que los visitantes se pusieran el kimono, les dejó tocarlo en su lugar y organizó charlas sobre la historia del japonismo. El debate demostró que un cuadro pintado en 1876 aún puede plantear preguntas sobre cómo las culturas se miran y toman prestado unas de otras.

Detalles interesantes

• El rojo del kimono, que llena la mayor parte del lienzo, está construido con muchas capas de tonos, desde el naranja hasta el carmesí intenso.
• A diferencia de la mayoría de los cuadros impresionistas, La japonesa está cuidadosamente planificada y muy acabada, lo que demuestra que Monet sabía pintar de forma detallada y pulida cuando quería.
• La estera, los abanicos y la túnica dan al cuadro un aspecto plano y decorativo, parecido a los motivos audaces de los grabados japoneses, aunque la figura en sí está modelada con luces y sombras.
• Cuando Monet lo pintó, a Camille le quedaban pocos años de vida. Murió en 1879, y La japonesa sigue siendo la imagen más colorida y alegre que él hizo de ella.