Camille: Das grüne Kleid, das den jungen Monet berühmt machte

Ein Bildnis in Grün

Camille, auch Die Dame im grünen Kleid genannt, ist ein Ölgemälde, das Claude Monet 1866 schuf. Für ein Porträt ist es riesig: etwa 231 Zentimeter hoch und 151 Zentimeter breit, sodass die Figur in ganzer Gestalt und in Lebensgröße erscheint. Eine junge Frau steht vor einem dunklen, schlichten Hintergrund und wendet sich vom Betrachter ab, als sei sie gerade an uns vorbeigegangen und blicke über die Schulter zurück. Mit einer Hand richtet sie die Bänder ihres kleinen Hutes.

Der eigentliche Star des Bildes ist ihre Kleidung. Sie trägt ein langes Seidenkleid mit breiten grünen und schwarzen Streifen, die dort schimmern, wo das Licht auf die Falten fällt. Der Rock bauscht sich hinter ihr und schleift über den Boden. Darüber trägt sie eine kurze braune Jacke mit Pelzbesatz. Der Kontrast zwischen der kühlen, glänzenden Seide, dem weichen Pelz und dem dunklen Hintergrund verleiht dem Gemälde viel von seiner Energie. Heute gehört es der Kunsthalle Bremen, die es 1906 erwarb.

Wer war Camille?

Das Modell war Camille Doncieux, 1847 in Lyon geboren. Sie lernte Monet Mitte der 1860er-Jahre in Paris kennen, als sie etwa achtzehn war, und wurde bald seine Lebensgefährtin. Monets Familie missbilligte die Beziehung, und jahrelang lebte das Paar mit sehr wenig Geld. Ihr erster Sohn Jean kam 1867 zur Welt, 1870 heirateten sie.

Camille wurde das wichtigste Modell in Monets früher Laufbahn. Sie erscheint in vielen seiner bekanntesten Gemälde: Sie stand Modell für mehrere Figuren in Frauen im Garten, sie und der kleine Jean verbrachten mit Monet den ruhigen Winter 1868–1869 in der Normandie, als er Die Elster malte, sie stand mit einem Sonnenschirm auf einem windigen Hügel in Frau mit Sonnenschirm, und sie trug einen roten Kimono in La Japonaise. Sie starb 1879 mit nur 32 Jahren, doch ihr Bild zieht sich durch mehr als ein Jahrzehnt von Monets Kunst.

Ein Bild, in Eile gemalt

Camille war nicht Monets ursprünglicher Plan für den Salon von 1866. Er hatte an einer gewaltigen Picknickszene im Freien gearbeitet, dem Frühstück im Grünen, über vier Meter hoch und etwa sechs Meter breit, das die Jury mit einem modernen Motiv im Format eines Historienbildes beeindrucken sollte. Camille und sein Freund Frédéric Bazille standen für mehrere Figuren Modell. Doch die Leinwand war zu groß und zu ehrgeizig, um rechtzeitig fertig zu werden.

Als die Einreichungsfrist des Salons näher rückte, änderte Monet seinen Plan und malte stattdessen Camille, angeblich in nur wenigen Tagen. Anders als seine späteren impressionistischen Werke entstand es im Atelier, nicht im Freien, und sein dunkler Hintergrund und die kühne, sichere Pinselführung zeigen den Einfluss von Malern, die er bewunderte, vor allem Gustave Courbet und Édouard Manet. Das unvollendete Frühstück im Grünen erlitt ein trauriges Schicksal: Monet ließ es später bei einem Vermieter als Pfand für unbezahlte Miete zurück, und als er es Jahre später zurückbekam, war es durch Feuchtigkeit beschädigt. Er zerschnitt es, und zwei erhaltene Fragmente hängen heute im Musée d'Orsay in Paris.

Erfolg im Salon von 1866

Der Salon war die große offizielle Kunstausstellung in Paris, die im Palais de l'Industrie stattfand und riesige Besuchermengen anzog. Ein Bild angenommen zu bekommen war schwer; unter Tausenden anderen aufzufallen, noch schwerer. Camille gelang beides. Kritiker hoben es wegen seiner Frische und Lebensnähe hervor.

Das berühmteste Lob kam von dem jungen Schriftsteller Émile Zola, der damals als Kunstkritiker arbeitete. In seiner Salonbesprechung schrieb er, dies sei die Leinwand, die ihn am längsten gefesselt habe, und er bewunderte, wie echt und lebendig das Kleid wirkte. Zola stellte Monet als Maler vor, der die öden akademischen Konventionen hinter sich gelassen hatte und mit Energie und Wahrhaftigkeit malte. Für einen 25-jährigen Künstler mit wenig Geld war das ein großer Auftrieb.

Der Erfolg brachte auch ein kleines Problem mit sich, das Monet jahrelang begleitete. Sein Name war dem von Édouard Manet, dem meistdiskutierten Maler jener Zeit, so ähnlich, dass die Leute in den Salons der 1860er-Jahre die beiden verwechselten. Zunächst ärgerte sich der ältere Maler über die Verwechslung, doch in späteren Jahren wurden die beiden Freunde.

Was das Gemälde besonders macht

Auf den ersten Blick wirkt Camille wie ein traditionelles modisches Porträt, doch mehrere Merkmale weisen auf Monets Zukunft voraus:

• Die Haltung: Statt dem Betrachter ruhig gegenüberzustehen, ist die Figur in der Bewegung erfasst, im Abwenden. Es wirkt wie ein flüchtiger Moment, nicht wie eine förmliche Porträtsitzung.
• Der Stoff: Monet malte die Seide mit langen, schnellen Strichen, die einfangen, wie das Licht über die Falten gleitet. Dieses Interesse daran, wie sich Licht auf Oberflächen verhält, sollte zum Kern seiner Kunst werden.
• Modernes Leben: Das Motiv ist keine Göttin und keine historische Gestalt, sondern eine junge Pariserin in modischer Kleidung der 1860er-Jahre. Modernes Leben in monumentalem Format zu malen, war ein kühnes Statement.
• Schlichtheit: Es gibt keine Möbel und keine detaillierte Umgebung, nur die Figur und einen dunklen, vorhangartigen Hintergrund, der das Kleid noch stärker hervortreten lässt.

Manche Kunsthistoriker bemerken auch, dass das Gesicht weniger wichtig ist als die Kleidung: Camilles Züge sind im Profil und teilweise im Schatten gezeigt. Das Gemälde ist ebenso sehr ein Bild eines Kleides und einer Geste wie das Porträt einer bestimmten Person.

Mode und modernes Leben in den 1860er-Jahren

Um zu verstehen, warum ein Kleid zum Thema eines großen Gemäldes werden konnte, hilft ein Blick auf das damalige Paris. Unter Kaiser Napoleon III. wurde die Stadt mit breiten neuen Boulevards nach den Plänen von Baron Haussmann umgebaut, und sie war die Modehauptstadt Europas. Große Kaufhäuser wie Le Bon Marché veränderten das Einkaufen, und illustrierte Modezeitschriften verbreiteten die neuesten Schnitte von Kleidern, Hüten und Jacken.

Viele junge Künstler waren überzeugt, dass die Malerei diese neue Welt widerspiegeln sollte. 1863 veröffentlichte der Dichter Charles Baudelaire den Essay Der Maler des modernen Lebens, in dem er forderte, Künstler sollten die Kleidung, die Umgangsformen und die flüchtigen Momente ihrer eigenen Zeit festhalten, statt die Vergangenheit zu kopieren. Monet, Manet, Renoir und andere nahmen diese Herausforderung an. In Camille sind die gestreifte Seide, der Pelzbesatz und das modische Hütchen nicht bloße Dekoration: Sie sind die Art, wie das Gemälde sagt, dass die Gegenwart es verdient, im selben großen Format gemalt zu werden wie Mythen und Geschichte.

Vom Salonerfolg zur Ablehnung

Der Triumph von 1866 hielt nicht an. Entschlossen, lebensgroße Figuren in echtem Tageslicht zu malen, schuf Monet als Nächstes Frauen im Garten vollständig im Freien; er ließ sogar einen Graben im Garten ausheben, um die hohe Leinwand absenken und ihren oberen Teil erreichen zu können. Die Salonjury lehnte das Bild 1867 ab. In den folgenden Jahren wurde Monet immer wieder abgewiesen, und er und Camille hatten oft kaum genug Geld zum Essen. Diese Ablehnungen führten schließlich dazu, dass Monet und seine Freunde 1874 ihre eigene Ausstellung organisierten, das Ereignis, das den Impressionisten ihren Namen gab.

In diesem Sinne steht Camille an einem Wendepunkt. Es blieb Monets größter Erfolg im Salon, errungen mit einem großen, im Atelier gemalten Figurenbild in recht traditionellem Stil. Danach bewegte er sich Schritt für Schritt hin zur Malerei im Freien, in hellen Farben und mit gebrochenen Pinselstrichen, dem Weg, der ihn zur führenden Gestalt des Impressionismus machen sollte.

Interessante Details

• Die Größe des Gemäldes, mehr als zwei Meter hoch, entspricht den großen Formaten, die gewöhnlich bedeutenden offiziellen Porträts vorbehalten waren. Das zeigt, wie ernst der junge Monet seine Chance im Salon nahm.
• Monet malte Camille noch viele Male. Zehn Jahre später zeigte er sie in La Japonaise erneut in ganzer Gestalt, aber in einem hellen, verspielten Geist, ganz anders als in diesem dunklen, ernsten Bildnis.
• Die Kunsthalle Bremen zählt das Gemälde zu den Höhepunkten ihrer französischen Sammlung.