La Femme à l'ombrelle : le portrait estival et venteux de la famille Monet

Un instant par un jour de vent

La Promenade, la femme à l'ombrelle, aussi appelée Madame Monet et son fils, est une peinture à l'huile que Claude Monet réalisa en 1875. Elle montre une femme en robe d'été claire, debout au sommet d'un talus herbeux, qui tient une ombrelle verte devant un ciel lumineux traversé de nuages blancs. Un peu en retrait, à moitié caché par la courbe de la colline, se tient un petit garçon coiffé d'un chapeau. Le vent soulève le voile de la femme et les bords de sa robe, et l'herbe autour de ses pieds semble onduler sous la même brise.

Le tableau mesure environ 100 sur 81 centimètres : c'est un format plutôt modeste, bien plus petit que les grandes toiles que Monet avait autrefois peintes pour le Salon officiel. En raison de son sujet, on l'appelle parfois simplement La Promenade, même si Monet employa ce mot dans les titres de plusieurs autres œuvres. Il est aujourd'hui exposé à la National Gallery of Art de Washington, où il compte parmi les tableaux les plus aimés de la collection.

Camille et Jean

La femme est l'épouse de Monet, Camille Doncieux, et le garçon est leur fils aîné, Jean, né en 1867, qui avait environ sept ou huit ans lorsque le tableau fut peint. Camille était le modèle préféré de Monet depuis le milieu des années 1860. Neuf ans plus tôt, en 1866, elle avait posé pour Camille, le portrait grandeur nature en robe de soie rayée de vert qui valut au jeune peintre son premier grand succès au Salon.

Le contraste entre les deux tableaux en dit long sur l'évolution de Monet. En 1866, Camille se tenait dans un espace sombre, comme dans un atelier, posant avec soin dans une robe coûteuse. En 1875, elle est dehors, baignée de lumière et d'air, saisie au milieu d'une simple promenade en famille. Elle baisse les yeux vers le peintre comme s'il venait de l'appeler, et toute la scène paraît spontanée et pleine de vie.

La vie à Argenteuil

À partir de la fin de 1871, la famille Monet vécut à Argenteuil, une petite ville au bord de la Seine, à quelques minutes de train de Paris. Ce furent parmi les années les plus heureuses de la vie de Monet. La ville offrait des jardins, des champs, des chemins de berge et un port de plaisance animé, et Monet les peignit tous encore et encore. Il aménagea même une petite barque en atelier flottant pour pouvoir travailler sur le fleuve lui-même.

Argenteuil attira aussi ses amis. Pierre-Auguste Renoir et Édouard Manet vinrent y peindre avec lui, et à l'été 1874, tous deux peignirent Camille et Jean dans le jardin des Monet. Ces années furent également celles d'une décision audacieuse : en 1874, Monet et ses camarades organisèrent à Paris leur propre exposition indépendante, où Monet présenta Impression, soleil levant, le tableau qui donna son nom au nouveau mouvement. La Femme à l'ombrelle, peinte l'été suivant, montre la démarche impressionniste dans sa forme la plus libre et la plus assurée.

La vie à Argenteuil n'était pas sans soucis. L'argent manquait souvent, et Monet devait fréquemment emprunter à des amis et à des mécènes. Pourtant, ses tableaux de ces années sont remplis de soleil, de fleurs, de bateaux et de moments en famille, et celui-ci est peut-être le plus célèbre de tous.

Peinte en plein air

Comme beaucoup d'œuvres de Monet de cette période, La Femme à l'ombrelle fut peinte en extérieur, directement devant le motif, et non en atelier. Les impressionnistes appelaient cette façon de travailler la peinture en plein air. Elle était devenue bien plus facile grâce aux couleurs vendues en tubes métalliques portatifs et aux chevalets pliants légers, qui permettaient aux artistes d'emporter leur matériel à la campagne.

Le tableau semble avoir été exécuté très vite, probablement en une seule séance, et cette rapidité fait partie de son charme. Monet ne chercha pas à décrire chaque détail. Il utilisa plutôt des touches courtes et libres pour saisir ce qu'il voyait dans un instant fugace :

• Le ciel est construit de larges traits amples de bleu et de blanc qui suggèrent des nuages en mouvement.
• L'herbe est faite de petites touches rapides de vert, de jaune et d'autres couleurs, si bien qu'elle semble se balancer.
• La robe et le voile sont peints de longs traits courbes qui suivent la direction du vent.
• Les visages ne sont qu'esquissés. Les traits de Camille sont adoucis par son voile, et le visage de Jean n'est fait que de quelques touches de couleur.

De près, le tableau se décompose presque en taches de peinture séparées. Avec du recul, ces taches s'assemblent en une impression convaincante de vent, de lumière et de mouvement. C'est exactement ce que voulait Monet : non pas un relevé précis de l'apparence de sa famille, mais la sensation d'être là, par cette journée d'été venteuse.

Un regard d'en bas

L'une des caractéristiques les plus frappantes du tableau est son point de vue. Monet se plaça en contrebas de Camille, si bien que nous la regardons depuis le bas de la pente. Sa silhouette se détache sur le ciel, et sa tête et son ombrelle touchent presque le bord supérieur de la toile. Cet angle bas la rend grande et gracieuse et laisse le ciel occuper la plus grande partie du fond.

Comme elle est à contre-jour, une grande partie de sa silhouette est dans l'ombre. Mais ces ombres ne sont ni grises ni noires. Monet les peignit en bleus, en verts et en tons violets délicats, car en plein air, les ombres reflètent les couleurs du ciel et de l'herbe environnante. Sa robe blanche n'est pas simplement blanche non plus : elle prend des reflets jaunes là où le soleil la frappe et un bleu froid là où elle passe dans l'ombre. Le dessous vert de l'ombrelle projette même une lueur verdâtre sur son visage et ses épaules.

La composition est simple mais soigneusement équilibrée. La diagonale de l'ombrelle, la pente de la colline et le mouvement des nuages entraînent le regard vers le haut et à travers le tableau. Jean, plus petit et plus bas, se tient un peu à l'écart, ce qui crée de la profondeur et donne à la scène l'atmosphère détendue d'une vraie sortie en famille plutôt que celle d'un portrait officiel.

Portrait ou étude de lumière ?

Bien qu'elle représente la femme et le fils du peintre, La Femme à l'ombrelle n'est pas un portrait au sens habituel. Un portrait traditionnel se concentre sur le visage, le caractère et le rang social du modèle. Ici, Monet semble davantage s'intéresser aux effets de la lumière du soleil, à la couleur des ombres et au mouvement de l'air. Camille et Jean font partie du paysage, au même titre que l'herbe et les nuages.

En même temps, le tableau possède une chaleur qui vient de son sujet intime. Il fixe un moment réel de la vie d'une jeune famille. Cela le rend particulièrement émouvant avec le recul, car Camille tomba gravement malade quelques années plus tard et mourut en 1879, à seulement 32 ans. Monet continua de la peindre jusqu'à la fin, et des tableaux comme celui-ci gardent son souvenir lumineux et plein de vie.

Les femmes à l'ombrelle plus tardives

Monet revint à la même idée plus de dix ans plus tard. En 1886, alors installé à Giverny, il peignit deux nouveaux tableaux d'une femme à l'ombrelle debout sur une colline devant le ciel, l'une tournée vers la gauche, l'autre vers la droite. Le modèle était Suzanne Hoschedé, une fille d'Alice Hoschedé, qui devint plus tard la seconde épouse de Monet. Les deux tableaux appartiennent aujourd'hui au musée d'Orsay à Paris.

Ces versions plus tardives s'intéressent encore moins à la personne. Le visage de Suzanne est à peine défini et se fond presque dans la lumière et dans l'écharpe qui flotte autour d'elle. Certains auteurs ont suggéré que le sujet rappelait à Monet l'ancien tableau de Camille ; quels qu'aient été ses sentiments, ces œuvres montrent à quel point il s'était déjà tourné vers la peinture de l'atmosphère pure, une voie qui le mènerait à ses célèbres séries des Meules, des cathédrales et des nymphéas.

D'Argenteuil à Washington

La Femme à l'ombrelle passa par plusieurs collections privées avant d'arriver aux États-Unis. Elle appartint à Paul Mellon, grand collectionneur d'art américain, et à son épouse, Bunny Mellon, et fut donnée en 1983 à la National Gallery of Art de Washington dans le cadre de la Collection of Mr. and Mrs. Paul Mellon. Les visiteurs peuvent l'y voir gratuitement, aux côtés d'autres importants tableaux impressionnistes.

Pourquoi elle enchante toujours le public

Le tableau sert souvent à montrer ce qu'était l'impressionnisme, et l'on comprend aisément pourquoi. Il saisit une chose que chacun a vécue : une journée lumineuse, une forte brise et une personne aimée qui se retourne pour nous regarder. Monet le peignit avec tant de rapidité et de fraîcheur que l'on sent presque le vent sur son visage.

Il marque aussi un sommet dans l'histoire de Camille en tant que modèle de Monet. Un an plus tard, il la peignit dans un esprit tout à fait différent dans La Japonaise, vêtue d'un kimono d'un rouge éclatant et entourée d'éventails japonais. Vus ensemble, ces tableaux montrent les multiples facettes de la femme qui inspira une si grande part de l'œuvre de jeunesse de Monet, et La Femme à l'ombrelle reste celui où elle paraît la plus libre.