La Japonaise : le portrait de Camille en kimono rouge par Monet

Une femme en rouge

La Japonaise est une peinture à l'huile que Claude Monet achève en 1876. C'est l'un des plus grands tableaux qu'il ait jamais consacrés à une figure unique : la toile mesure 231,8 sur 142,3 centimètres, si bien que la femme y est représentée en pied et à peu près grandeur nature. Le tableau est aujourd'hui exposé au Museum of Fine Arts de Boston, aux États-Unis.

Un seul élément domine l'image : une somptueuse robe japonaise rouge. Une femme se tient debout sur une natte de paille, légèrement de côté, et se retourne vers le spectateur en souriant. Dans sa main droite levée, elle tient un éventail pliant ouvert. Son long kimono s'étale sur le sol autour de ses pieds et il est couvert d'une broderie épaisse aux couleurs riches. Derrière elle, le mur d'un gris bleuté pâle est parsemé d'éventails japonais ronds, et d'autres éventails jonchent le sol. L'effet est lumineux, théâtral et foisonnant de motifs, presque comme un décor de scène.

Camille en costume

Le modèle est Camille Doncieux, l'épouse de Monet et son modèle préféré dans les premières années de sa carrière. Dix ans plus tôt, elle avait posé pour Camille, le portrait en robe de soie à rayures vertes qui avait valu au jeune peintre son premier succès au Salon de Paris de 1866. Ce tableau la montrait aussi en pied et grandeur nature : La Japonaise peut donc être vue comme une sorte de pendant, peint par un Monet plus âgé, plus sûr de lui et déjà connu comme l'un des impressionnistes.

En 1876, la famille vit à Argenteuil, une petite ville au bord de la Seine près de Paris, où Monet peint de nombreuses scènes ensoleillées de bateaux, de jardins et de berges. L'année précédente, il avait représenté Camille et leur fils Jean sur une colline balayée par le vent dans La Promenade, la femme à l'ombrelle, une scène de plein air légère et peinte rapidement. La Japonaise est tout autre : elle a été réalisée en intérieur, soigneusement mise en scène, et fourmille de détails.

Un détail curieux concerne la chevelure de Camille. En réalité, elle était brune, mais sur le tableau elle porte une perruque blonde. Les historiens de l'art pensent que Monet voulait montrer sans aucune ambiguïté qu'il s'agit d'une Européenne déguisée en Japonaise, et non d'une Japonaise. Le tableau n'est pas un portrait du Japon, mais un portrait de la fascination française pour le Japon.

Le kimono et les éventails

Le vêtement que porte Camille est un uchikake, un long et lourd kimono de dessus que l'on porte ouvert sur d'autres vêtements. Au Japon, les femmes de haut rang le revêtaient lors d'occasions particulières, comme les mariages, et il servait aussi de costume de théâtre. Son bord inférieur est rembourré, de sorte qu'il traîne au sol en formant un épais bourrelet, que Monet a peint avec beaucoup de soin.

Le plus surprenant dans ce kimono, c'est son décor. Près du bas de la robe, juste sous la main de Camille, est brodé un guerrier samouraï au visage farouche, qui semble tirer son sabre. La broderie est si épaisse et si vivement colorée que le guerrier paraît presque jaillir du tissu. Son visage farouche se trouve non loin de celui de Camille elle-même, et les deux visages créent un contraste amusant : la Française calme et souriante et le guerrier furieux sur sa robe.

Les éventails méritent eux aussi un regard attentif :

• Les éventails ronds du mur et du sol sont des uchiwa, des éventails japonais plats qui ne se replient pas. C'étaient alors à Paris des souvenirs bon marché et très appréciés.
• Les éventails sont ornés de fleurs, de paysages et de personnages, et l'un d'eux, près de la tête de Camille, montre le visage d'une Japonaise qui semble jeter un regard vers elle.
• L'éventail pliant que Camille tient à la main est peint en bleu, blanc et rouge, les couleurs du drapeau français, ce qui rappelle une fois de plus qu'il s'agit d'une Parisienne qui joue un rôle.

L'engouement pour l'art japonais

Pendant plus de deux siècles, le Japon était resté presque fermé au commerce étranger. Dans les années 1850, sous la pression des États-Unis et des puissances européennes, il commence à ouvrir ses ports. Bientôt, les produits japonais affluent en Europe : soie, porcelaine, laques, éventails, paravents et surtout des estampes colorées gravées sur bois, les ukiyo-e, ou « images du monde flottant ». La présence du Japon à l'Exposition universelle de Paris en 1867 rend l'art japonais plus à la mode encore.

Les Français baptisent cet enthousiasme le japonisme. Les boutiques parisiennes vendent des objets japonais, les gens fortunés en décorent leurs intérieurs et les artistes étudient les estampes de maîtres comme Katsushika Hokusai et Utagawa Hiroshige. Ces images montrent la vie quotidienne, des acteurs, des paysages et la météo d'une manière qui paraît neuve et audacieuse aux yeux européens : contours appuyés, aplats de couleurs vives, points de vue inhabituels et compositions coupées sur les bords.

De nombreux peintres de l'entourage de Monet s'en inspirent, parmi lesquels Édouard Manet, Edgar Degas et, plus tard, Vincent van Gogh. Les tableaux de femmes élégantes posant en kimono ou entourées d'objets japonais deviennent une petite mode à part entière dans les années 1860 et 1870. Avec La Japonaise, Monet en livre l'un des exemples les plus audacieux et les plus grands.

Monet et le Japon

Pour Monet, l'amour de l'art japonais n'a rien d'un intérêt passager. Au fil de sa vie, il réunit une collection de plus de deux cents estampes japonaises, dont des œuvres d'Hokusai, d'Hiroshige et d'Utamaro. Une histoire répandue raconte qu'il les aurait découvertes en voyant des estampes servir de papier d'emballage dans une boutique des Pays-Bas, mais ce récit pourrait bien être une légende. Ce qui est certain, c'est que ces estampes couvrirent plus tard les murs de sa maison de Giverny, où on peut encore les voir aujourd'hui.

L'influence du Japon sur Monet va bien au-delà des costumes et des éventails. Dans son œuvre tardive, elle se manifeste dans sa façon de cadrer ses vues, dans ses séries consacrées à un même motif peint à différents moments de la journée et surtout dans son célèbre jardin de Giverny. Il y aménagea un jardin d'eau avec un pont japonais peint en vert, enjambant un bassin couvert de nymphéas, un motif qu'il peignit encore et encore jusqu'à la fin de sa vie. Fait intéressant, ces œuvres tardives absorbent l'esprit de l'art japonais de manière discrète et personnelle, tandis que La Japonaise montre directement des objets japonais, presque comme une vitrine de trésors.

Succès à la deuxième exposition impressionniste

En 1874, Monet et ses amis avaient organisé leur première exposition indépendante, où Impression, soleil levant avait conduit un critique à qualifier tout le groupe, par moquerie, d'« impressionnistes ». Deux ans plus tard, en 1876, ils tiennent leur deuxième exposition dans la galerie du marchand d'art Paul Durand-Ruel, à Paris. Monet y présente La Japonaise, qui attire beaucoup l'attention.

Les réactions sont partagées : certains critiques apprécient ses couleurs éclatantes et son humour, d'autres le trouvent tapageur ou déroutant. Mais sur un point important, le tableau est un vrai succès : il se vend 2 020 francs, un prix élevé pour Monet à l'époque. Pour un peintre qui peinait souvent à payer ses factures, cet argent est le bienvenu.

Monet lui-même parlera pourtant plus tard du tableau avec un certain dédain. Dans sa vieillesse, il le décrira comme guère plus qu'une fantaisie, une œuvre réalisée en partie pour plaire au public et au marché. Elle ne correspondait pas à l'image du peintre de la lumière et du plein air qu'il voulait laisser. Beaucoup de spectateurs d'aujourd'hui ne partagent pas son avis et y voient l'une de ses peintures de figure les plus joyeuses et les plus inventives.

De Paris à Boston

Après sa vente, La Japonaise passe pendant des décennies de collection privée en collection privée. En 1956, le Museum of Fine Arts de Boston en fait l'acquisition ; ce musée possède l'une des plus grandes collections de tableaux de Monet hors de France, ainsi que l'une des grandes collections d'art japonais au monde. Boston est donc une demeure toute trouvée pour un tableau qui réunit ces deux univers.

En 2015, le tableau se retrouve au cœur d'un débat public. Il venait de rentrer d'une tournée d'expositions au Japon, et le musée lance une animation appelée « Kimono Wednesdays » (les « mercredis du kimono »), au cours de laquelle les visiteurs peuvent essayer une réplique du kimono et se faire photographier devant le tableau. Certains manifestants estiment que l'animation traite le vêtement d'une autre culture comme un déguisement et reproduit de vieux stéréotypes européens sur l'Asie. D'autres personnes, dont des visiteurs japonais et américains d'origine japonaise, ne sont pas d'accord et affirment que partager le kimono est une manière amicale d'apprécier la culture japonaise. Le musée cesse de laisser les visiteurs enfiler le kimono, leur permet seulement de le toucher et organise des discussions sur l'histoire du japonisme. Ce débat a montré qu'un tableau peint en 1876 peut encore soulever des questions sur la manière dont les cultures se regardent et s'empruntent les unes aux autres.

Détails intéressants

• Le rouge du kimono, qui occupe la plus grande partie de la toile, est construit à partir de nombreuses nuances superposées, de l'orangé au cramoisi profond.
• Contrairement à la plupart des tableaux impressionnistes, La Japonaise est soigneusement préparée et très achevée, ce qui montre que Monet savait peindre de manière détaillée et léchée quand il le voulait.
• La natte, les éventails et la robe donnent au tableau un aspect plat et décoratif, proche des motifs audacieux des estampes japonaises, même si la figure elle-même est modelée par l'ombre et la lumière.
• Quand Monet peint ce tableau, il ne reste à Camille que quelques années à vivre. Elle meurt en 1879, et La Japonaise demeure l'image la plus colorée et la plus espiègle qu'il ait faite d'elle.